La sofficità del pastello si mescola con la magia della natura nel Simbolismo di Claudia De Benedittis
A volte lo sguardo ha bisogno di vagare e di perdersi in tutto ciò che si trova intorno ma lontano dal caos cittadino, per riuscire a ritrovarsi all’interno di una dimensione più intimista, incantata quasi proprio perché a osservare sono le corde dell’anima, quelle profondità che tendono a rimanere nascoste nel pragmatismo della quotidianità ma che invece si liberano davanti a un mondo naturale e incontaminato che avvolge l’essere umano non appena decide di allontanarsi dalla giungla urbana. Raccontare l’interazione con l’individuo attraverso la rappresentazione di una natura in cui tutto, dai colori alle atmosfere, si armonizza con il percorso percettivo e mnemonico, è la caratteristica distintiva della produzione artistica della protagonista di oggi che sceglie un mezzo espressivo incredibilmente delicato.
L’utilizzo del pastello cominciò ad affiancarsi al più tradizionale colore a olio nel Settecento grazie alla pittrice veneziana Rosalba Carriera, pioniera dunque non solo in qualità di donna artista in un periodo in cui l’espressione creativa era tradizionalmente legata agli uomini, che ne sfruttò la caratteristica di rendere più rarefatti e tenui i contorni dei personaggi che ritraeva, rivelando quanto il pastello riuscisse a riprodurre in maniera perfetta la delicatezza degli incarnati. Malgrado nei primi decenni dell’Ottocento la tecnica fu accantonata, con l’Impressionismo trovò nuova vita perché le atmosfere luminose e sfumate venivano realizzate grazie all’utilizzo del pastello mescolato all’olio che sulla tela si traducevano in paesaggi intensi e avvolgenti. Furono in particolar modo Édouard Manet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir e l’italiano Giovanni Boldini gli impressionisti che più di tutti si avvalsero dei pastelli per realizzare le loro opere, i ritratti della nobiltà i cui volti erano riprodotti in maniera fedele e armonica, le morbide ballerine che calcavano i palcoscenici, i momenti di svago della borghesia, mostrando la modernità del loro approccio pittorico anche attraverso la mescolanza di tecniche realizzative. Quasi parallelamente all’Impressionismo, trovò spazio sempre in Francia un altro movimento che intendeva esplorare tutto ciò che non era visibile agli occhi, quelle energie che scorrono al di sotto del velo della superficie collegandosi all’interiorità e mettendo così al centro della ricerca pittorica un punto di vista soggettivo piuttosto che puramente oggettivo; il Simbolismo, questo il nome del movimento emergente, richiedeva un approccio raffinato, colto, proprio perché dovevano essere comprese le metafore, le allegorie più o meno celate che gli autori inserivano nelle loro tele, ed evidenziate le ambientazioni oniriche e dunque impalpabili. Tra i maggiori esponenti della corrente vi fu Odilon Redon che riusciva a nascondere perfettamente l’enigma, il mistero ed entità inquietanti dentro atmosfere dolci, delicate, piene di ombreggiature e di tonalità intermedie che venivano realizzate, ancora una volta, in virtù dell’utilizzo dei pastelli, mezzo prediletto per entrare in quell’universo parallelo di cui le sue tele raccontano. Anche l’autore simbolista ungherese Josef Rippl-Ronai si avvalse a sua volta della tecnica pastellista per realizzare opere in cui la suggestione, il sentire interiore, l’interpretazione, erano predominanti rispetto alla narrazione oggettiva; in lui i bastoncini di pigmento erano essenziali per riprodurre le scene a metà tra sogno e realtà o per descrivere in modo morbido e luminoso alcuni dettagli dei volti dei personaggi che ritraeva, accarezzati letteralmente dalle luci e dalle ombre che l’autore infondeva nelle sue tele. L’artista romana Claudia De Benedittis si avvicina al Simbolismo attraverso la tecnica del pastello proprio perché la sua creatività ha bisogno di quell’atmosfera meditativa, rarefatta attraverso cui sussurrare i propri pensieri, le emozioni che si possono liberare solo quando l’anima si connette con l’intorno, con quel mondo naturale fatto di panorami incontaminati ma anche di animali che divengono metafora di una sensazione, di una percezione, ed emanazione dell’interiorità dell’autrice. Dopo un percorso di
sperimentazione e di formazione, Claudia De Benedittis non riesce più ad abbandonare il pastello, la cui tecnica ha approfondito con il maestro Rubén Belloso Adorna, al punto di diventare membro dell’Associazione Pastellisti Italiani; al contempo sviluppa un Simbolismo fondamentale per permetterle di manifestare la sua essenza creativa che non può staccarsi dall’approccio soggettivo alla realtà osservata, non riesce a non pervadere tutto ciò che si svela al suo sguardo di una capacità interpretativa carezzevole, soffice, che regala all’osservatore una dimensione parallela in cui perdersi per sentire con la stessa intensità dell’autrice. Il suo Simbolismo pertanto perde l’accezione più misteriosa, persino inquietante che aveva contraddistinto gli autori dell’Ottocento per spostarsi verso una caratteristica più intimista, riflessiva, meditativa ma anche sensibile ai sottili messaggi colti dall’anima che si trasformano in voce narrativa tramite i pastelli. La gamma cromatica è lunare, fortemente sfumata, quasi a sottolineare quanto tutto ciò che viene osservato con l’interiorità perda i limiti contingenti, abbandoni i dettagli per assestarsi invece al confine tra realtà e immaginazione, tra ricordo di un frammento osservato e significato profondo di quanto viene colto dagli occhi ma poi rielaborato con l’anima. Nel lavoro Il sogno Claudia De Benedittis rappresenta un bellissimo cigno bianco che si staglia, come fosse pronto a volare, davanti all’immagine in trasparenza di una ballerina, evocando il capolavoro di Čajkovskij ma oltrepassandolo per approfondire il senso più esistenzialista, quello cioè che lega il desiderio che qualcosa si verifichi alla limitante consapevolezza di non poterlo realizzare se non attraverso il sogno. Eppure la ballerina è simbolo di determinazione, di lavoro duro e resiliente sul suo corpo affinché esso possa raggiungere quel risultato di eccellenza che le potrà consentire di volare sul palcoscenico con la stessa delicatezza e regalità del cigno. La predominanza azzurra dello sfondo racconta il mondo acquatico in cui i meravigliosi animali vivono ma anche la dimensione spirituale e interiore all’interno della quale è possibile trovare la forza e la determinazione per trasformare un desiderio in realtà. Nell’opera Libertà l’autrice sceglie di nuovo un animale per raccontare della necessità dell’essere umano di affrancarsi da tutte le catene e le briglie da cui spesso sceglie di farsi frenare, per poter correre verso un destino diverso, incognito, certo, ma forse proprio per questo assolutamente affascinante; Claudia De Benedittis sembra suggerire che a volte è necessario lasciare la propria zona sicura per mettersi in gioco e dirigersi senza paura verso un nuovo futuro, esattamente allo stesso modo in cui il cavallo protagonista del dipinto attraversa quel paesaggio a metà tra terra e acqua dove il rosso predomina e si associa al tramonto, inteso come termine di un percorso ma anche forza di percorrere tutta la strada necessaria per trovare i nuovi se stessi. In Il ritmo della vita invece a essere protagonista è una ballerina di flamenco, con tutta la passionalità e l’energia che contraddistingue il ballo spagnolo e che viene tradotto visivamente focalizzandosi sul fermo immagine di una delle pose più tipiche, quella del roteare il mantón de manila infondendo al movimento la forza e l’ardore del ballo, come della vita. Claudia De Benedittis osserva il centro della scena, l’intensità con cui la donna esegue i passi che conosce come se stessa e che non possono fare a meno di emanare l’amore che ella prova per una disciplina, quella della danza, che fa parte della sua essenza; tutto ciò che è intorno viene fortemente sfumato, come non fosse importante, come se l’energia della protagonista si propagasse all’esterno perdendo di consistenza perché da lì in poi deve subentrare l’empatia e la sensibilità dell’osservatore che può scegliere di lasciarsi avvolgere da quel ritmo intenso prendendolo come spunto per vivere la propria vita con passionalità oppure vederlo solo da spettatore senza lasciarsi contaminare da tutto ciò che dall’opera fuoriesce. Armonia di colori è forse una delle opere meno simboliste di Claudia De Benedittis, da cui però si manifesta il suo forte e inscindibile legame con il mondo della flora e della fauna, quasi per lei la purezza, la spontaneità e i sentimenti buoni, escludessero l’essere umano perché spesso è quest’ultimo la causa della rottura di un equilibrio primordiale che sopravvive nelle anime più pure, meno pragmatiche e in cui l’istino e la semplicità prevalgono su calcoli mentali, su un arrivismo contemporaneo che distacca l’uomo dal suo implicito compito di essere il custode amorevole del
mondo in cui abita. Il pastello in quest’opera viene utilizzato in maniera tanto delicata e impalpabile da riprodurre con la massima perfezione la morbidezza del pelo del cane, la fiducia del suo sguardo, l’amore incondizionato verso il suo padrone, tutti valori che l’uomo ha perso e che può ritrovare solo riavvicinandosi alla natura in tutte le sue forme. Claudia De Benedittis ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive importanti, come quella nella Sala del Cenacolo presso la Camera dei Deputati, quella alla Sala del Bramante in Piazza del Popolo, quelle presso il Campidoglio e alle rassegne di Piazza di Spagna promosse dalla Art Studio Tre, e a quelle dell’Associazione Cento Pittori di Via Margutta. Nell’ottobre 2024 ha realizzato una significativa mostra personale presso lo Spazio Mimesis.

Marta Lock